Billedkunstneren Maria Torp maler intense og dragende portrætter og rumoplevelser. Med forskellige tegne- og malerteknikker åbenbarer hun besjælede og hyperrealistiske billeder af mennesker i forskellige relationer og situationer. Der er en særlig dybde og følsom kvalitet i Torps præcise portrætter og hendes malerier forbliver vibrerende og levende – ja nærmest sitrende i deres udtryk. Torp arbejder både med skulptur, maleri og papirarbejde.
Maria Torps billedsprog er formfuldendt præcist og gengiver indviklede overfladestrukturer såsom hår, hud, tøj og tekstiler på en hyperrealistisk måde. I stil med fotorealismen, er overfladen i Torps værker glat og blank som siderne i et modemagasin, men Torps arbejder rækker ud over det fotorealistiske: Hendes arbejdsproces med maleriet er ikke blot at gengive et fotografi uden en personlig eller intim fortælling – Torps tilgang har snarere rødder i 1800-tallets kunstretning, realismen, som er kendetegnet ved den konsekvente fastholdelse af kravet om at beskæftige sig med samtidsskildring, ofte forbundet med et samfundskritisk fokus på menneskets levevilkår. I modsætning til naturalisme, der betegner en stræben mod objektiv gengivelse af synsindtryk, rummer den realistiske fremstilling altid et vist element af holdningsbetonet fortolkning – en stræben mod at fremhæve netop de træk, der anses for særligt kendetegnende for den sande virkelighed.
Maria Torp fremhæver også selv denne kvalitet i sit arbejde: ”Det, jeg elsker allermest, er, når de sidste lag af maling lægges på, og motivet pludselig får en tyngde og sprødhed, hvor hud bliver gennemsigtig og motivet kommer til at stå helt skarpt. Det, jeg elsker ved det, vellykkede realistiske maleri, er, at den umiddelbare afkodning synes så enkel, men alligevel forbliver motivet levende og vibrerende.”
På samme måde udmærker Torps værker sig ved at være indholdsrige og dybt personlige
samtidsskildringer. I værket The Diner, 2013 ses et udsnit af en kvinde, som spiser frisk pasta og drikker rødvin af et vandglas. Kvinden sidder ved en mønstret bordplade, hendes arme er dækket af farverige tatoveringer og hun har rødmalede negle og en lille rød/hvid ternet top på. Kvindens ansigt ligger uden for billedet, men værket fungerer alligevel som et dybt intimt portræt. Der er en nærhed i maleriet, som virker overrumplende og vækker beskuerens nysgerrighed: Hvem er dennekvinde og hvad er hendes historie? Den karakteristisk mønstrede bordplade og træpanelet bag kvinden skaber en følelse af genkendelighed og som ung københavner ved man, at vi befinder os på Café Dyrehaven på Vesterbro. Denne umiddelbare afkodning hjælper historien om kvinden i gang og aktiverer beskueren.
Maria Torps motiver skabes gennem en længere proces. Kunstneren arbejder medskitsetegninger, som efterfølgende bliver til fotos, som således danner forlæg for hendes maleri. Kunstneren beskriver grunden til denne proces på følgende måde: ”Til at begynde med var jeg interesseret i at se, om det kunne lade sig gøre at oversætte et ret personligt udtryk (tegningen) til et stykke virkelighed (fotoet) – og derefter male det. Om det var muligt at bevare tegningens oprindelige styrke og essens. Men jeg stilede også efter en proces, hvor jeg i højere grad end tidligere kunne gå i dialog med værket. Og fordi der er opstår mange tilfældigheder, og der er en masse ydre omstændigheder på spil i et foto shoot, personlige ticks og andres idéer m.m., bliver det meget mere udfordrende for mig at arbejde med. Tegningen bruger jeg som vejledende forlæg, men vil tilfældet pludselig noget andet, er det vigtigt at være åben. De tre trin kan måske ses som en modning af et motiv…” De mennesker som Torp portrætterer er fundet både i og uden for hendes omgangskreds.
Værket Transition, 2015 er et andet overvældende værk fra Torps hånd. Her har kunstnerenbevæget sig væk fra det klassiske lærred og i stedet malet direkte på udfoldede papkasser. Værket måler 3 x 8 m, og det er både størrelsen og motivet, som gør værket så overvældende. Kunstneren har med olie, akryl, og spray malet en barsk situation frem på pappets rå overflade: En ung sovende dreng ligger udstrakt i en turkis sovepose – drengen har bar overkrop og han ligger på siden, så man kan se halvdelen af hans ansigt og blonde hår. Ved drengens fodende sidder en hund og holder vagt og der ligger skrald, dåser og tøj spredt rundt om drengen, som skaber en klar følelse af, at vi befinder os på gaden. Det faktum, at mange hjemløse netop benytter udfoldedepapkasser som soveunderlag skaber en tydelig association til samfundets virkelighed. Torps præcise, besjælede og formfuldendte billedsprog står i skarp kontrast til pappets rå udtryk, ligesom drengens alder og nøgne hud gør situationen endnu mere sårbar og rammende. Som det ofte er tilfældet med Maria Torps værker skaber motivet et væld af spørgsmål hos beskueren: Hvem er denne unge dreng, hvor gammel er han og hvor er hans forældre? Hvorfor er han nødsaget til at sove på gaden og hvem har ansvaret for ham? Tankerne myldrer afsted og man kan som beskuer ikke undgå at engagere sig i værket og tage stilling til situationen.
Dette engagement, som kunstnerens værker foranlediger hos beskueren, er helt særligt og understreger Maria Torps sjældne kunstneriske talent for at fortælle medrivende historier gennem maleriet. Der er en dybde og følsom kvalitet i Torps værker, som overrasker og udfordrer og hendes intense portrætter tegner et skarpt og fængslende billede af vores tid. Maria Torp er født i 1975 og uddannet på Det Kongelige Danske Kunstakademi 2000-2007 og før da ved London College of Printing. Hun bor og arbejder i København. Torp arbejder både med skulptur, maleri og papirarbejde og hun har deltaget i flere gruppeudstillinger på gallerier, museer, kunsthaller og kunstmesser både nationalt og internationalt. Desuden har hun lavet udsmykningsopgaver til bl.a. FTF, Ferring, Velux Fonden og TrygVesta
IMMACULATE, ENGAGED, VIBRANT IMAGES OF THE TIMES
The visual artist Maria Torp paints intense, compelling portraits and impressions of space. With a variety of drawing and painting techniques she unveils vital, hyperrealistic images of human beings in various relations and situations. There is a distinctive depth and sensitivity in Torp’s precise portraits, and her paintings remain vibrant and alive in expression – indeed, they almost quiver with life. Torp works with sculpture, painting and on paper.
Maria Torp’s visual idiom is flawlessly precise and reproduces complex surface structures such as hair, skin, clothing and textiles in a hyperrealistic way. Similar in style to photorealism, the surfaces in Torp’s works are smooth and glossy as the pages of a fashion magazine; but Torp’s works extend beyond the photorealistic; her working process with the paintings involves not just the reproduction of a photograph, but a personal or intimate story – Torp’s approach rather has roots in the nineteenth-century art movement Realism, which is characterized by the consistent observance of the requirement to deal with the contemporary scene, often combined with a socially critical focus on the human condition. Unlike Naturalism, which means a striving towards the objective rendering of visual impressions, the Realist representation always has a certain element of attitude-influenced interpretation – a striving to emphasize those very features that are considered particularly indicative of the true underlying reality.
Maria Torp herself singles out this quality in her work: “What I love most is when the final layer of paint is applied and the subject suddenly acquires a weight and crispness where skin becomes transparent and the subject comes into perfect focus. What I love about the successful Realist painting is that the direct decoding seems so simple, yet the subject still remains living and vibrant.”
In the same way Torp’s works stand out in being content-rich and profoundly personal depictions of the times. In the work The Diner, 2013, we see a detail of a woman who is eating fresh pasta and drinking red wine from a water glass. The woman sits at a patterned table top, her arms are covered in colourful tattoos; she has red-varnished nails and wears a small red and white check top. The woman’s face is outside the picture, but the work still functions as a profoundly intimate portrait. There is a closeness in the painting that has a surprising effect and arouses the viewer’s curiosity: who is this woman and what is her story? The characteristic patterned tabletop and the wooden panelling behind the woman create a feeling of familiarity, and as a young Copenhagener you know that you are at Café Dyrehaven in Vesterbro. This immediate decoding helps the story of the woman on its way and activates the viewer.
Maria Torp’s images are created in an extended process. The artist works with drawn sketches that subsequently become photos, which in turn become the designs for her paintings. The artist describes the reason for this process as follows: “To begin with, I was interested in seeing whether it was possible to translate a highly personal expression (the drawing) into a slice of reality (the photo) – and then to paint it. Whether it was possible to preserve the original power and essence of the drawing. But I was also aiming for a process where I was better able than before to enter into a dialogue with the work. And because many random factors arose and lots of circumstances are in play in a photo shoot – personal tics and others’ ideas etc. – it becomes much more challenging for me to work with. I use the drawing as a guiding model, but if chance suddenly dictates something different, it’s important to be open to that. The three stages can perhaps be seen as the maturing of a motif…” The people that Torp portrays are found both within and outside her personal circle.
Transition, 2015, is another overwhelming work from Torp. Here the artist has moved away from the classic canvas and instead has painted directly on unfolded cardboard boxes. The work measures 3 x 8 m, and it is both the size and the subject that make it so overwhelming. With oils, acrylic and spray the artist has painted a grim situation out of the raw surface of the cardboard: a young boy lies stretched out asleep in a turquoise sleeping bag – the boy is bare-chested and lies on his side so we can see half of his face and his blond hair. At the boy’s feet a dog sits keeping watch; garbage, tin cans and clothes lie scattered around the boy, creating a distinct feeling that we are on the street. The fact that many homeless people in fact use unfolded cardboard boxes as a sleeping underlay creates a clear association with the reality of society. Torp’s precise, vital and flawless visual imagery contrasts sharply with the raw look of the cardboard, just as the age and naked skin of the boy make his situation even more vulnerable and telling. As is often the case with Maria Torp’s works, the subject provokes a myriad of questions in the viewer: who is this young boy, how old is he and where are his parents? Why does he have to sleep on the street and who is responsible for him? The thoughts come swarming in and the viewer cannot help engaging with the work and the situation.
This engagement that the artist’s works prompt in the viewer is quite exceptional and underscores Maria Torp’s rare artistic talent for telling captivating stories through painting. The depth and sensitivity in Torp’s works are surprising and challenging, and her intense portraits paint a stark, enthralling picture of our time.
Maria Torp was born in 1975, studied at the Royal Danish Academy of Fine Arts in 2000-2007 and before that at the London College of Printing. She lives and works in Copenhagen. Torp works with sculpture, painting and on paper and she has participated in several group exhibitions at galleries, museums, art halls and art fairs both nationally and internationally. In addition she has executed decoration commissions for among other organizations FTF, Ferring, The Velux Foundation and TrygVesta.